Korova-Milk-Bar

George A. Romero

2009-09-04T11:14:00.000-07:00

George Andrew Romero (Nueva York, 4 de febrero de 1940) es un director, escritor y actor de cine estadounidense. Es famoso por sus películas de terror que involucran muertos vivientes, las cuales entregan una crítica sobre varios aspectos de la sociedad contemporánea. Si bien no fue el primero en hacer este tipo de películas, Romero ha sido considerado por muchos como el creador del arquetipo zombi en la cultura popular. Gran parte de las características utilizadas en sus películas fueron luego emuladas por otros directores. Romero nació en Nueva York, su padre y madre -George M. y Ann Romero- eran de ascendencia cubana y lituana respectivamente. Su padre trabajó como un artista comercial. Durante su infancia hizo películas con una cámara de 8 mm, siendo sus influencias Michael Powell y Orson Welles. Romero estudió en la Universidad Carnegie Mellon de Pittsburgh. Tras graduarse en 1960, comenzó su carrera grabando cortometrajes y comerciales para The Latent Image, una compañía que fundó junto a John Russo y Russell Streiner. Durante este periodo, el trio se aburrió de hacer comerciales y decidieron filmar una película de terror. Romero se basó en la novela de Richard Matheson, Soy Leyenda, para crear su primera película sobre muertos vivientes. Junto a John Russo, Russell Streiner, Karl Hardman y Marilyn Eastman, fundó la productora Image Ten Productions a fines de los años 60, reuniendo aproximadamente $114.000 para financiar La noche de los muertos vivientes. La película, dirigida por Romero y escrita junto a John A. Russo, fue filmada en blanco y negro utilizando una película de 35 mm. La cinta muestra cómo los muertos vuelven a la vida, siendo sus principales características la violencia y el canibalismo; sin embargo, la causa de este fenómeno no es del todo explicada, característica presente en las demás películas de la serie. Aunque la palabra "zombi" no es empleada en ningún momento, muchos consideran a la película como la base de este subgénero, sirviendo además como influencia para varias otras películas y videojuegos. Tras una década de reestrenos, la película recaudó $12 millones en Estados Unidos y $30 millones a lo largo del mundo. En 2001, el American Film Institute la agregó a la lista de los 100 mejores thriller de la historia, específicamente al puesto número 93.

abandomoviez

Filmografia

Survival of the Dead (2009)

Diary of the Dead (2007)

Land of the Dead (2005)

Bruiser (2000)

The Dark Half (1993)

Due occhi diabolici (1990)

Monkey Shines (1988)

Day of the Dead (1985)

Creepshow (1982)

Dawn of the Dead (1978)

Martin (1977)

The Crazies (1973)

Hungry Wives (1972)

There's Always Vanilla (1971)

Night of the Living Dead (1968)

Hector Babenco

2008-04-14T14:18:00.000-07:00

El director brasileño nacido en Argentina (Buenos Aires, 1946) comenzó su carrera en el cine a la tierna edad de 17 años cuando trabajaba como extra en "O Caradura", una comedia italiana dirigida por Dino Risi y rodada en Argentina. A los 19 años voló a Europa y durante cuatro años (1966- 1969) trabajó como extra en un número de películas rodadas en España por maestros del spaghetti western, los directores italianos Sergio Corbucci y Giorgio Ferroni. También trabajó como extra en una película del director español Mario Camus.

Babenco regresó a Brasil en 1969. Antes de dirigir su primera película (el documental "The Fabulous Fittipaldi", producido en 1973 por Roberto Farias), llevó a cabo una serie de trabajos desagradables. “Estuve vendiendo lápidas”, recuerda. En 1975 dirigió su primer largometraje de ficción: "King of the Night", con Paulo José y Marília Pera. Dos años más tarde hizo "Lúcio Flávio", "Passenger of Agony", el cuarto mayor éxito de taquilla en la historia del cine brasileño con una audiencia de 5.394.153 espectadores en su primera temporada.

Su próxima película – "Pixote, La Ley del mas Débil" (1980) – le hizo obtener el reconocimiento internacional. Pixote sorprendió al público de todo el mundo y los críticos norteamericanos la votaron como “una de las diez mejores películas extranjeras de los 80”. Marilia Pera, que interpretó a Suely – la prostituta que paga tributo a la Piedad de Miguel Ángel mientras mece al niño Pixote – recibió un premio del New York Film Critics’ Association. Spike Lee, junto con muchos otros famosos cineastas alabaron la película.

En su artículo Pixote: Infância Brutalizada, publicado en el libro A História Vai ao Cinema (Record/2001), el historiador André Luiz Vieira de Campos valora el impacto de Pixote, La Ley del mas Débil en la historia social y política brasileña. Aparte de acuñar la palabra pixote, ahora parte del lenguaje diario, la película cambió la forma en que el público vería el tema de los niños de la calle. Vieira de Campos escribe que “desenmascarando instituciones, no sólo denunciando su falta de habilidad para rehabilitar a sus presos, sino que acusándolos de reproducir las condiciones de extrema pobreza y violencia por las que se les diseñó para combatir, Babenco presenta nuevos paradigmas.” El ensayo de Campos concluye que la aproximación de Babenco en la película al tema de los niños abandonados comienza desde “el punto de vista de la política y no simplemente del crimen.”

El éxito internacional de Pixote fue seguido por la siguiente película del director - "El Beso de la Mujer Araña" (1984), protagonizada por William Hurt, Raul Julia y Sonia Braga. Tras recibir cuatro nominaciones a premios de la Academia, el quinto largometraje de Babenco recibió el premio al Mejor Actor por la actuación de William Hurt. Esto dio inicio a la fase norteamericana de la carrera de Babenco y su nuevo proyecto fue dirigir a Meryl Streep y a Jack Nicholson en "Ironweed" en 1987. Regresó a un escenario brasileño en 1990 con "Jugando en los Campos del Señor", rodada en el Amazonas con un equipo de producción estadounidense y un reparto que incluía a Kathy Bates, Tom Waits, Tom Berenger y Daryl Hannah.

Ocho años más tarde, Babenco – tras superar un cáncer linfático gracias a un transplante de médula – hizo su primera película en su país natal, Argentina (Foolish Heart). El reparto, la producción y el equipo técnico estaban compuestos a igual número de brasileños que de argentinos.
Con su octava película: CARANDIRU, el director regresa al tema social que le hizo famoso.

basecine.com

Filmografia

Pasado, El (2007)

Carandiru (2003)

Corazón iluminado (1996)

At Play in the Fields of the Lord (1991)

Ironweed (1987)

Kiss of the Spider Woman (1985)

A Terra é Redonda Como uma Laranja (1984)

Pixote: A Lei do Mais Fraco (1981)

Lúcio Flávio, o Passageiro da Agonia (1977)

Rei da Noite, O (1975)

Fabuloso Fittipaldi, O (1973)

Klaus Kinski

2007-12-26T08:33:00.000-08:00

"Soy una prostituta. Hago esta basura por el dinero, nada más".

Klaus Kinski Klaus Kinski (18 de octubre de 1926 - 23 de noviembre de 1991) fue un famoso y controvertido actor alemán. Su auténtico nombre era Nikolaus Karl Günther Nakszynski. De padres polacos, nació en Zoppot, Danzig, Alemania (actualmente Sopot, Polonia).

Kinski sirvió en el ejército alemán durante la Segunda Guerra Mundial, aunque la mayor parte del tiempo la pasó como prisionero de guerra bajo control británico. Al finalizar la guerra, empezó a actuar en obras de teatro, pero pronto pasó a la industria del cine, que consideró mucho más rentable. Actuó en un gran número de películas, casi todas ellas de ínfima categoría, como él mismo reconocía. No obstante, algunas de ellas fueron películas memorables dentro de sus repectivos géneros, como Doctor Zhivago y Por unos pocos dólares más.

La reputación internacional de Kinski se forjó gracias a sus colaboraciones con el director Werner Herzog en películas como Aguirre: la cólera de Dios, Woyzeck y Nosferatu, el vampiro. En 1985 rodó a las órdenes de Fernando Colomo El caballero del dragón.

Kinski, que bebía en exceso, era un maníaco sexual que narró sus hazañas sexuales en una autobiografía. A causa de la gran cantidad de papeles de loco y asesino que representó a lo largo de su carrera, y a su comportamiento obstinado y a menudo obsesivo, se le solía considerar un genio demente. Se casó cuatro veces y tuvo tres hijos, Nastassja Kinski, Nola Kinski (ambas actrices) y Nikolai Kinski.

Kinski murió a los 65 años de edad en Lagunitas, California, de un ataque al corazón.

Se dice que cuando Fernando Colomo fue informado de la muerte del actor alemán, no pudo evitar espetar: "Descansemos en paz".

Klaus Kinski en Wikipedia

Mario Moreno Cantinflas

2007-09-21T15:42:00.000-07:00

"El Mejor comediante del mundo"
Charlie Chaplin

Filmografia

El barrendero (1981)
El patrullero 777 (1977)

El ministro y yo (1975)

Conserje en condominio (1973)
Don Quijote cabalga de nuevo (1972)

El profe (1970)
Un Quijote sin mancha (1969)

Por mis pistolas (1968)
Su excelencia (1966)
El señor doctor (1965)

El padrecito (1964)
Entrega inmediata (1963)
El extra (1962)

El analfabeto (1960)
Pepe (1960)

Sube y baja (1958)

Ama a tu prójimo (1958)
La vuelta al mundo en ochenta días (1956)

El bolero de Raquel (1956)
El charro inmortal (1955)

Abajo el telón (1954)
Caballero a la medida (1953)

El señor fotógrafo (1952)
Lluvia de estrellas (1951)
Si yo fuera diputado (1951)

El bombero atómico (1950)

El Siete Machos (1950)
Puerta, joven (1949)
El mago (1948)

El supersabio (1948)
¡A volar joven! (1947)
Soy un prófugo (1946)
Un día con el diablo (1945)

Gran Hotel (1944)
Romeo y Julieta (1943)
El circo (1942)

Los tres mosqueteros (1942)
El gendarme desconocido (1941)
Ni sangre ni arena (1941)
Ahí está el detalle (1940)
El signo de la muerte (1939)

Águila o sol (1937)

¡Así es mi tierra! (1937)

No te engañes corazón (1936)

Cantinflas en IMDB

Philip Seymour Hoffman

2007-05-26T16:43:00.000-07:00

En Fairport, conocido suburbio neoyorquino, nació Philip Seymour Hoffman, el 23 de julio de 1967. Hijo de Gordon, ejecutivo de una gran empresa, de religión protestante, y de Marilyn, juez de primera instancia, católica, Philip tenía dos hermanos, Emily y Gordy, guionista de Con amor, Liza, que el actor protagonizó en 2002. Cuando tenía nueve años, sus padres se divorciaron, quedándose Philip al cuidado de su madre, que incentivó su vocación artística. Aunque en el grupo de teatro del colegio ya intervenía en montajes de obras como 'Largo viaje hacia la noche', realmente aspiraba a convertirse en estrella de 'wrestling', la lucha libre americana, tan amañada que tiene mucho que ver con el teatro. Un accidente dio al traste con esta curiosa vocación, por lo que decidió estudiar interpretación "para impresionar a las chicas". Recibió una beca para la Escuela de Arte de Tisch, de la Universidad de Nueva York.

Locuras de juventud le hicieron caer en el alcoholismo y las drogas, por lo que al licenciarse tuvo que ingresar en una clínica de desintoxicación. "Tenía 22 años y me daba miedo la vida", explica el actor, que desde entonces ni siquiera prueba el alcohol. Cuando se recuperó, Hoffman tuvo que ganarse las lentejas trabajando como camarero –según sus declaraciones el oficio que más odia–, al tiempo que se presentaba a los más diversos castings. Debutó interpretando a un abogado defensor en la célebre serie Ley y orden. A partir de ese momento, alternó sus interpretaciones en el teatro en el off-Broadway neoyorquino, con trabajos pequeños en el cine, pero siempre impecables. Tras hacer de compañero de colegio de Chris O´Donnell, al que acusaba de una travesura que no había cometido en Esencia de mujer, encarnó a un atracador tiroteado en La huida, y a un policía bobalicón en Ni un pelo de tonto.

Uno de los momentos cruciales en la carrera de Philip Seymour Hoffman fue su encuentro con el director Paul Thomas Anderson, que le dio un breve papel de adicto al juego en Sydney, su opera prima. Quedó tan satisfecho con su trabajo, que volvió a recurrir a el para un papel más extenso en Boogie Nights. Su destacable trabajo como técnico de sonido enamorado, llamó la atención de los hermanos Coen, que le transformaron en matón en El gran Lebowski, y de Todd Solondz, que le convirtió en el sórdido tipejo obsesionado con el sexo que hacía llamadas obscenas a su vecina. Tan convincente resultaba Hoffman en esta última interpretación, que producía auténtica repulsión. Mientras tanto, se labraba una sólida reputación en los escenarios dirigiendo obras como 'In Arabia We'd All Be Kings'. Mientras preparaba el montaje, se enamoró de la diseñadora del vestuario, Mimi O'Donnell, que actualmente espera el segundo hijo de la pareja. Paul Thomas Anderson parece incapaz de rodar una película sin Hoffman, pues hasta ahora le ha incluido en sus cuatro filmes, incluso en el desconcertante Embriagado de amor. Su mejor colaboración sigue siendo Magnolia, donde Hoffman compuso a un enfermero que trataba de reunir a un moribundo con su hijo. No hay papel pequeño para él. "Nunca mido mis papeles por la cantidad de minutos, sino por su complicación psicológica", ha explicado. Así lo demuestran sus trabajos en Patch Adams, Nadie es perfecto, El dragón rojo, La última noche, Cold Mountain y el ácido retrato del mundo del cine State and Main, de David Mamet, donde era un guionista con principios, rodeado de impresentables. Y es que parece un trabajador incansable, incapaz de decir que no cuando le ofrecen personajes curiosos. "Estar parado no es bueno para un actor. No importa lo famoso que seas. Siempre recuerdo lo mal que me sentía cuando iba a al oficina de empleo, y lo terrible que resultaba que me despidieran en todos esos restaurantes", explica Hoffman. La Academia ha hilado fino al otorgarle el Oscar al mejor actor precisamente por Truman Capote, donde imita al milímetro la forma de hablar y los gestos del excéntrico escritor. "Cada día tenía que entrenarme, durante seis meses, como un atleta", ha dicho. Convertido en uno de los actores de moda por este trabajo, Hoffman no se ha echado a dormir, sino que inmediatamente hizo un memorable papel de villano, en Misión imposible III. En estos momentos está filmando Before the Devils Knows You're Dead, thriller del veterano Sidney Lumet, al que seguirá Charlie Wilson's War, el nuevo trabajo de Mike Nichols.

decine21

Yuen Woo Ping

2007-05-25T10:11:00.000-07:00

Yuen Woo Ping nació en 1945 en Guangzhou (Canton), China, siendo el mayor de 12 hermanos. El joven Woo Ping estudió el arte de la Opera de Pekin y el Kun Fu, vigilado de cerca por su padre Yuen Siu Tin (Quien fue mentor de grandes estrellas del kung fu hongkones como Jackie Chan). Fue su padre el que introdujo al joven artista marcial en el mundo del cine en la serie de “Wong Fei Hung” producida en los 60, y las habilidades del joven no pasaron desapercibidas. Pronto los Saw Brothers se fijaron en el y empezó a participar en películas como “Magnificent Trio” (Cheh Chang, 1966), “One-Armed Swordman” (Cheh Chang, 1967) o “Chinese Boxer” (Yu Wang, 1970).

En 1971 Woo Ping recibe su primer encargo como coreógrafo de artes marciales de la mano del director Ng See Yuen, para la película “Mad Killer”, a partir de ese momento, y durante toda la década de los 70, colaboraría intensamente como coreógrafo con Yuen el producciones como “Kung Fu, the Invincible Fist” (1972), “Deadly Buddhist Raiders” (1972), “Rage of Wind” (1973) o “Secret Rivals 2“ (1977), además de seguir trabajando para los Saw Brothers como actor en películas como “Blood Brothers” (Cheh Chan, 1973).

Yuen no tardaría demasiado en saltar detrás de la pantalla para empezar su carrera como director. Sería en el año 1978 cunado dirigiría sus 2 primeras películas, “La Serpiente a la Sombra del Águila” y “El Mono Borracho en el Ojo del Tigre”, rodeándose de 3 actores de la talla de Jackie Chan, Siu Tien Yuen (su padre) y Jang Lee Hwang. Estas 2 cintas son muy populares y están consideradas como grandes clásicos de las artes marciales, como debut en la dirección no es poca cosa. En 1979 dirigiría otra gran película, “Dance of Drunken Mantis”, esta vez sin Jackie Chan. Durante esta época alcanzaría grandes éxitos en su faceta de director con producciones del estilo de “Magnificent Butcher“ (1979), codirigida con Sammo Hung, o “Dreadnaught“ (1981).

Después de crear su propia compañía productora, en 1979, su prominencia dentro del mundo de las artes marciales crecería como la espuma, aprovechando además las influencias producidas por su protegido Donnie Yen. Aunque la popularidad de las cintas de kung fu clásicas descendiera durante mediados de los años 80, la popularidad de Woo Ping nunca lo hizo. En 1991 el género recibió un impulso de la mano de Tsui Hark, y el popular actor Jet Li, con la producción “Erase una vez en China”, que volvía a estar centrada en la figura de Wong Fei Hung y que coreografió Woo Ping. El existo de esta cinta hizo surgir varias secuelas y muchas producciones durante esta época. Yuen, casi retirado de su carrera como actor, coreografió cintas como “The Twin Dragons” (Ringo Lam, Tsui Hark, 1992) o “Fist of Legend” (Gordon Chan, 1994) y dirigió películas del estilo de “Iron Monkey” (1993), “Tai Chi Master” (1993) o “Wing Chun” (1994).

Yuen Woo Ping saltaría a la escena cinematográfica internacional debido a una sorprendente petición de los hermanos Wachowski, que lo eligieron para que coreografiara la película “Matrix” (1999). este hecho le hizo centrarse en esta faceta y también coreografiaría la cinta “Tigre y Dragon” (Ang Lee, 2000). Yuen volvería a la escena hongkonesa de la mano de Tsui Hark con las cintas “The Legend of Zu” (2001) y “Black Mask 2” (2002), para volver a tierras americanas y participar en “Matrix Reloaded” (2003), “Matrix Revolutions” (2003), las 2 partes del “Kill Bill” (2003, 2004) de Tarantino o “Danny The Dog” (Louis Leterrier, 2005). Sus últimos trabajos en su tierra natal son “Kung Fu Hustle” (Stephen Chow, 2004) y “Fearless” (Ronny Yu, 2006), además de dirigir una nueva adaptación de “The Tai Chi Master” (2005).

Yuen Woo-Ping es una de las leyendas vivas de Hong Kong. Este Coreógrafo/Director/Actor ha protagonizado grandes clásicos del cine de Kung Fu, dirigido películas que son hoy en dia cintas de culto y a coreografiado algunas de las escenas de artes marciales mas loadas del cine de Kung Fu. Esperemos que aun nos deleite con su arte muchos años mas.

Asiateca

Milos Forman

2007-03-26T15:06:00.000-07:00

Dos veces Óscar al Mejor Director por Alguien voló sobre el nido del cuco y Amadeus, ha combinado en su carrera lo mejor de la tradición cinematográfica europea y americana. Es uno de los numerosos directores extranjeros que han conseguido el éxito internacional sin haber sido encasillados por género o nacionalidad, y sus películas son una celebración del individualismo y se concentran en el comportamiento humano de cada persona. Tres actores han ganado Óscar gracias a sus películas, Jack Nicholson y Louise Fletcher por Alguien voló sobre el nido del cuco, y F. Murray Abraham por Amadeus. El menor de tres hermanos, Forman nació en Caslav, Checoslovaquia, una ciudad a 50 kilómetros de Praga. A los nueve años, sus padres fueron arrestados por la Gestapo y murieron en los campos de concentración nazis, quedando al cuidado de sus parientes. Se empezó a interesar por el teatro mientras asistía a una escuela para huérfanos de guerra. Le gustaban muy especialmente las comedias de Charlie Chaplin y Buster Keaton, y los westerns de John Ford. Forman entró en la Escuela de Cine de la Universidad de Praga, donde estudió con Ivan Passer. Tras graduarse, escribió sus primeros guiones y realizó dos cortos semi-documentales. En 1963 dirigió su primera obra, una autobiografía de un adolescente en una pequeña ciudad Checa, titulada Pedro el negro. La película fue un éxito en diversos festivales, incluyendo Cannes, Montreal y Nueva York, y condujo a Forman a visitar América.

Hoy Cinema

Filmografia

Goya's Ghosts (2006)

Man on the Moon (1999)

The People vs. Larry Flynt (1996)

Valmont (1989)

Amadeus (1984)

Ragtime (1981)

Hair (1979)

One Flew Over the Cuckoo's Nest (1975)

Visions of Eight (1973)

Taking Off (1971)

I Miss Sonia Henie (1971)

The Firemen's Ball (1967)

A Blonde in Love (1965)

Black Peter (1964)

Why Do We Need All the Brass Bands? (1963)

Talent Competition (1963)

Magic Lantern II (1960)

Jared Hess

2007-01-05T12:48:00.000-08:00

Después del éxito alcanzado con su película "Napoleon Dynamite", Jared Hess uno de los nuevos directores de la escena norteamericana, nos presenta la comedia ambientada en México: "Nacho Libre"

Al igual que su predecesora, Nacho Libre es también escrita por el equipo que Hess hace junto con su esposa Jerusha Hess. Una singular fórmula que les ha traído reconocimiento en la escena del difícil arte de hacer reír.

Resulta muy peculiar que esta pareja del centro de Estados Unidos, decidieran crear una comedia ambientada en Oaxaca, México y sobre temas tan particulares del acontecer diario de este pueblo, con tanta exactitud y gracia, más al estilo latino que "gringo".

Antes de hablar de la comedia en sí, es de destacar la dirección de arte de esta película que es simplemente impresionante y rica en detalles que solo un latino entiende y puede disfrutar.

No cabe duda que el haber trabajado con un equipo de producción mexicano encabezado por Hannia Robledo, hace que esta película no sea una versión norteamericana de latinoamericana, sino una versión muy latina y particularmente mexicana, aunque la estética de la misma busque un México olvidado, sucio y empobrecido.

Igualmente la música es brillante, escrita por el grandioso Danny Elfman, creador de la música de "Los Simpson", este notable músico nos da una clase magistral de como se debe enfrentar la producción musical de una película de humor.

Además de lo divertida que es esta pista musical, Elfman ha tomado elementos latinos, mexicanos e indígenas para ambientar musicalmente este desértico paraje mexicano con gran atino y simpleza. Lo mismo podemos decir del diseño de sonido de la película que llena de detalles los momentos más cómicos de la película.

Esta comedia lograr sorprender con la sencillez de su argumento y la claridad de su humor, algunas veces ingenuo y "blanco". Aunque no es perfecta y a veces pierde ritmo, logra mantener una continua sonrisa en el espectador.

Nacho (Jack Black) un huérfano de madre escandinava y un clérigo mexicano, es el encargado de cocinar para un pequeño grupo de huérfanos en el monasterio donde creció. En secreto, Nacho sueña desde niño es ser un afamado enmascarado de la lucha libre, héroe de los desposeídos y amado por el pueblo.

La falta de solvencia económica del orfanato y la atracción por la recién llegada, la bella Hermana Encarnación (Ana de la Reguera), empujan a Nacho a llevar su sueño a la realidad, ponerse una máscara y junto con su compañero, el indigente "Esqueleto" (Héctor Jiménez) inician su camino a la gloria en la lucha libre.

El reparto es otro de los aciertos de esta película, Jack Black, es un cómico que definitivamente no tiene miedo al ridículo, y logra crear un personaje sólido y llamativo, a veces un poco forzado, pero que dentro de la estética de la película, encaja perfectamente.

El que realmente se lleva las palmas y que logra robarse más de una escena es Héctor Jiménez (Esqueleto), quien con su delgada figura, sus gigantescos dientes y sus llamativos gestos crea momentos de gran comicidad. Un personaje que goza de textos particularmente hilarantes, hecho a la medida de este novel actor

La hermosa Ana de la Reguera que interpreta a la Hermana Encarnación, hace un papel muy bien medido y delicado. Aunque no es un papel para lucirse, logra una excelente tensión entre su personaje y el de Nacho. Nacida en Veracruz, esta consumada actriz de la escena mexicana, cuenta con por lo menos veinte películas en su currículum y con "Nacho Libre" hace su primera aparición en una producción norteamericana.

Sin ser una comedia de primera, "Nacho Libre" es una comedia llamativa que está muy por encima de otras producciones cómicas, que, con más presupuesto y estrellas "consagradas", siempre nos recetan más de lo mismo.

Por Carlos Zegarra

Filmografia

Nacho Libre (2006)

Napoleon Dynamite (2004)

Franklin J. Schaffner - The Boys From Brazil

2006-11-19T11:09:00.000-08:00

El enfrentamiento entre un criminal nazi (Peck) y un veterano cazador de nazis (Olivier) es el plato fuerte de este filme que muestra el plan de clonar niños de Hitler y provocar el advenimiento del IV Reich. Filme fantástico pero con buenas actuaciones de un reparto internacional y secuencias de suspenso aceptables. Está basado en una novela best seller de Ira Levin.

Filmografia

Welcome Home (1989)

Lionheart (1987)

Yes, Giorgio (1982)

Sphinx (1981)

The Boys From Brazil (1978)

Islands in the Stream (1977)

Papillon (1973)

Nicholas and Alexandra (1971)

Patton (1970)

Planet of the Apes (1968)

The Double Man (1967)

The War Lord (1965)

The Best Man (1964)

The Stripper (1963)

Links

The Boys From Brazil

Franklin J. Schaffner

Michel Gondry

2006-10-05T12:13:00.000-07:00

"How happy is the blameless Vestal's lot! The world forgetting, by the world forgot. Eternal sunshine of the spotless mind! Each pray'r accepted, and each wish resign'd."

Michel Gondry nació en Versalles, Francia. Su carrera como realizador comenzó con la dirección de videos para la banda de rock francesa Oui Oui, de la cual era también baterista. El estilo de su obra llamó la atención de la cantante Björk, quien le pidió dirigir el video para la canción "Human Behavior". El trabajo conjunto se extendió largo tiempo, con Gondry dirigiendo un total de seis videos para Björk. Otros artistas con quien a colaborado Gondry en más de una ocasión son bandas tales como The White Stripes, Radiohead, The Chemical Brothers, Kylie Minogue y Massive Attack. Gondry también ha creado numerosos comerciales de televisión, siendo uno de sus más famosos el hecho para jeans Levi's, el cual ganó el Lion D'or en el Festival de Cine de Cannes de 1994 y el cual ganó ese año un lugar en el Libro de Records Guinnes como el spot comercial con más premios de la historia. Fue pionero en la utilización de la técnica conocida como "bullet time", utilizada posteriormente en las cintas de la saga The Matrix, especialmente en el video "Like A Rolling Stone" de los británicos The Rolling Stones y en un comercial de 1998 para vodka Smirnoff. Gondry es usualmente citado, junto con los directores Spike Jonze y David Fincher, como un representante de la influencia de los video clips en la cinematografía mundial. Gondry hizo su debut en el séptimo arte el año 2001 con Human Nature.

Filmografia

The Science of Sleep (2006)
Dave Chappelle's Block Party (2005)
Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)
Human Nature (2001)

Links

Infotematica

Director File

Guillermo del Toro

2006-09-28T13:15:00.000-07:00

"En sus películas existen cuatro elementos constantes: la religion, el humor negro, los insectos y los "tiliches" (especie de duendes)."

Filmografia

El Laberinto del Fauno (2006)

Hellboy (2004)

Blade II (2002)

El Espinazo del diablo (2001)

Mimic (1997)

Cronos (1993)

Geometria (1987)

Doña Lupe (1985)

Links

Pasadizo

Biosstars

Ki duk Kim

2006-08-27T10:24:00.000-07:00

"Se trata sin duda de un cine controvertido, hiriente, que conmociona al espectador, siempre bajo el paraguas de una buena realización."

Después de haber estudiado arte en París, Kim Ki-duk volvió a Corea y empezó su carrera como guionista y director en una película de bajo presupuesto, The Crocodile (1996). Desde el principio, ni la crítica ni el público se han quedado indiferentes ante sus personajes retraídos, sus sorprendentes imágenes y sus mensajes sin precedentes. Los personajes que aparecen en las películas de Kim Ki-duk proceden de los estratos más bajos de la sociedad y no son bienvenidos en ninguna parte. En esas circunstancias tan extremas, Kim Ki-duk logra sacar a la superficie la inocencia de lo más profundo del corazón de sus personajes a través de una lucha grotesca y maliciosa. Prácticamente desde el primer momento, sus películas fueron seleccionadas por diversos festivales internacionales de cine, lo que le ha dado la posibilidad de llegar a un público más amplio, y se ha consolidado en los últimos años con diversos reconocimientos y premios: Primavera, verano, otoño, invierno... y primavera fue presentada a los Oscar en representación de Corea; Samaritan Girl obtuvo el Oso de Plata (Premio al Mejor Director) en el 54 Festival de Berlín y en la 61 edición del Festival de Venecia fue galardonado con el León de Plata al Mejor Director por HIERRO 3 (BIN-JIP).

Filmografia

Time (2006)
The Bow (2005)
3-Iron (2004)
Samaria (2004)
Spring, Summer, Fall, Winter... and Spring (2003)
The Coast Guard (2002)
Bad Guy (2001)
Address Unknown (2001)
The Isle (2000)
Real Fiction (2000)
Blue Gate (1998)
Wild Animals (1996)
Crocodile (1996)

http://www.basecine.net/ente.php?id=16033

Adam Goldberg

2006-08-15T14:14:00.000-07:00

"Just stare at the wall like everyone else"

Filmografia como Director

I Love Your Work (2003)
Running with the Bulls (2003)
Scotch and Milk (1998)

Filmografia como Compositor

I Love Your Work (2003)
Running with the Bulls (2003)

Tim Burton

2006-06-05T13:51:00.000-07:00

"I don't know what it was, maybe the movie theaters in my immediate surrounding neighbourhood in Burbank, but I never saw what would be considered A movies."

Filmografia

Corpse Bride (2005)

Charlie and the Chocolate Factory (2005)

Big Fish (2003)
Planet of the Apes (2001)
The World of Stainboy (2000)
Sleepy Hollow (1999)
Mars Attacks! (1996)
Ed Wood (1994)
Batman Returns (1992)
Edward Scissorhands (1990)
Batman (1989)
Beetle Juice (1988)
Pee-wee's Big Adventure (1985)
Frankenweenie (1984)
Luau (1982)
Vincent (1982)
Stalk of the Celery (1979)
The Island of Doctor Agor (1971)

Neil Jordan

2006-04-28T13:59:00.000-07:00

"El resultado fue una cinta perturbadora que si bien ha querido ser vista por algunos como una adaptación freudiana de la Caperucita roja, o como una fallida cinta sobre hombres lobo y niñas perversas, e incluso como un gótico sueño húmedo, va mucho más allá de cualquiera de estas interpretaciones. " En compañía de lobos, de Neil Jordan

Filmografia

Angel (1982)
The Company of Wolves (1984)
Mona Lisa (1986)
High Spirits (1988)
We're No Angels (1989)
The Miracle (1991)
The Crying Game (1992)
Interview with the Vampire: The Vampire Chronicles (1994)
Michael Collins (1996)
The Butcher Boy (1997)
In Dreams (1999)
The End of the Affair (1999)
The Good Thief (2002)
Breakfast on Pluto (2005)

http://www.osiazul.com/seccion/ojoagos04.html

Zhang Yimou

2006-04-04T17:30:00.000-07:00

Director de cine chino, conocido por sus dramas históricos de estética impecable. Políticamente controvertido en su país nativo, las películas de Zhang han sido aclamadas por la crítica extranjera y le han convertido en el director más célebre de la llamada quinta generación del cine chino, que comprende a aquellos directores cuyas carreras comenzaron tras la Revolución Cultural proletaria de finales de la década de 1960. Nacido en Xi´an, ciudad al norte de China, estudió en el Instituto de Cine de Pekín con otros directores de la quinta generación, como Wu Tianming y Chen Kaige. Comenzó trabajando de operador de cámara en películas tan aclamadas internacionalmente como Tierra amarilla (1984, de Kaige). Debutó como director con Sorgo rojo (1987), que obtuvo el Oso de Oro del Festival de Cine de Berlín, cuya acción se desarrolla en una remota provincia del norte de China durante las décadas de 1920 y 1930. La película destaca por sus bellas y evocadoras imágenes de la naturaleza y por la magnífica interpretación de la debutante Gong Li. A partir de ahí, actriz y director comenzaron una larga y fructífera colaboración interrumpida en 2000 con El camino a casa, esta vez protagonizada por la joven actriz china Zhang Ziyi. Zhang Yimou ganó el premio al mejor director en el Festival de Cine de Cannes por su tercer filme, La semilla del crisantemo (1990), que se convirtió en la primera película china en ser nominada al Oscar en la categoría de mejor película extranjera. Gong interpreta a una joven campesina que es vendida al sádico dueño de una fábrica textil. La semilla del crisantemo muestra imágenes de un colorido y una sensualidad muy poco comunes en el cine chino. Sus otras películas también han sido excelentemente acogidas, como La linterna roja (1991), Qiu Ju, una mujer china (1992), ¡Vivir! (1994), La joya de Shanghai (1995), Happy Times (2001) y Hero (2002). La mayoría de sus largometrajes han sido distribuidos por todo el mundo, pero La semilla del crisantemo y La linterna roja fueron prohibidos en China.

Filmografia

Riding Alone for Thousands of Miles (2005)
House of Flying Daggers (2004)
Hero (2002)
Happy Times (2000)
Not One Less (1999)
The Road Home (1999)
Keep Cool (1997)
Lumière and Company (1996)
Shanghai Triad (1995)
Lifetimes (1994)
Qiu Ju Goes to Court (1992)
Raise the Red Lantern (1991)
Ju Dou (1990)
Codename Cougar (1989)
Red Sorghum (1987)

http://www.epdlp.com/director.php?id=765

John Waters

2006-02-20T19:20:00.000-08:00

"Uno de los grandes reyes de la contracultura, la basura y el cine underground."

Filmografia

A Dirty Shame (2004)
Cecil B. DeMented (2000)
Pecker (1998)
Serial Mom (1994)
Cry-Baby (1990)
Hairspray (1988)
Polyester (1981)
Desperate Living (1977)
Female Trouble (1974)
Pink Flamingos (1972)
Multiple Maniacs (1970)
Mondo Trasho (1969)
The Diane Linkletter Story (1969)
Eat Your Makeup (1968)
Roman Candles (1966)
Hag in a Black Leather Jacket (1964)

Paul Thomas Anderson

2006-02-09T15:46:00.000-08:00

"And there is the account of the hanging of three men, and a scuba diver, and a suicide. There are stories of coincidence and chance, and intersections and strange things told, and which is which and who only knows? And we generally say, "Well, if that was in a movie, I wouldn't believe it." Someone's so-and-so met someone else's so-and-so and so on. And it is in the humble opinion of this narrator that strange things happen all the time. And so it goes, and so it goes. And the book says, "We may be through with the past, but the past ain't through with us." Magnolia 1999

Filmografia

Punch-Drunk Love (2002)
Magnolia (1999)
Boogie Nights (1997)
Hard Eight (1996)
Cigarettes & Coffee (1993)
The Dirk Diggler Story (1988)

Larry Clark

2006-01-03T14:19:00.000-08:00

"When you're young, not much matters. When you find something that you care about, then that's all you got." Kids 1995

Filmografia

Kids (1995)

Another Day in Paradise (1998)

Bully (2001)

Ken Park (2002)

Wassup Rockers (2005)

Woody Allen

2005-12-12T15:56:00.000-08:00

"Me interesa el futuro porque es el sitio donde voy a pasar el resto de mi vida."

Filmografia

Scoop (2006)
Match Point (2005)
Melinda and Melinda (2004)
Anything Else (2003)
Hollywood Ending (2002)
The Curse of the Jade Scorpion (2001)
Small Time Crooks (2000)
Sweet and Lowdown (1999)
Celebrity (1998)
Deconstructing Harry (1997)
Everyone Says I Love You (1996)
Mighty Aphrodite (1995)
Bullets Over Broadway (1994)
Manhattan Murder Mystery (1993)
Husbands and Wives (1992)
Shadows and Fog (1992)
Alice (1990)
Crimes and Misdemeanors (1989)
New York Stories (1989)
Another Woman (1988)
September (1987)
Radio Days (1987)
Hannah and Her Sisters (1986)
The Purple Rose of Cairo (1985)
Broadway Danny Rose (1984)
Zelig (1983)
A Midsummer Night's Sex Comedy (1982)
Stardust Memories (1980)
Manhattan (1979)
Interiors (1978)
Annie Hall (1977)
Love and Death (1975)
Sleeper (1973)
Everything You Always Wanted to Know About Sex(1972)
Bananas (1971)
Take the Money and Run (1969)
What's Up, Tiger Lily? (1966)

http://www.woodyallenband.com/flash_index.html

Wes Anderson

2005-11-27T07:21:00.000-08:00

"The Life Aquatic of Steve Zissou, es una vuelta de tuerca más de ese humor a destiempo que fascina a Anderson y que tiene mucho de los hermanos Cohen de Arizona Baby. En ella siguen las mismas filias de su carrera: uso de canciones de los 60 y 70, cuidado ritmo de montaje, rótulos explicativos en planos fijos cortos, escenas de una emotividad que raya el absurdo, personajes prototípicos, humor provocado por situaciones deprimentes, un extraño mensaje de optimismo por encima de todas las cosas y un final a cámara lenta, mientras suena una canción y desfilan la mayor parte de los protagonistas, como si salieran de escena de una representación teatral, que concluye todas sus obras desde Bottle Rocket hasta esta última."

Filmografia

Bottle Rocket (1996)

Rushmore (1998)

The Royal Tenenbaums (2001)

The Life Aquatic with Steve Zissou (2004)

http://perso.wanadoo.es/ckaos/anderson.htm

Paul Schrader

2005-11-17T14:03:00.000-08:00

"Schrader escribió su primer guión, Pipeliner, sobre un joven que descubre que le queda poco tiempo de vida y regresa a casa para trabajar en un oleoducto. Más tarde Schrader tuvo un periodo de aislamiento que le inspiró en su guión de Taxi Driver, escrito en diez días."

Filmografia como escritor:

The Yakuza (1975)
Taxi Driver (1976)

Obsession (1976)

Rolling Thunder (1977)

Blue Collar (1978)

Hardcore (1979)

Old Boyfriends (1979)

American Gigolo (1980)

Raging Bull (1980)

Cat People (1982)

Mishima: A Life in Four Chapters (1985)

The Mosquito Coast (1986)

Light of Day (1987)

The Last Temptation of Christ (1988)

Light Sleeper (1992)

City Hall (1996)

Touch (1997)

Affliction (1997)

Forever Mine (1999)

Bringing Out the Dead (1999)

Filmografia como director:

Blue Collar (1978)

Hardcore (1979)

American Gigolo (1980)

Cat People (1982)

Mishima: A Life in Four Chapters (1985)

Light of Day (1987)

Patty Hearst (1988)

The Comfort of Strangers (1990)

Light Sleeper (1992)

Touch (1997)

Affliction (1997)

Forever Mine (1999)

Auto Focus (2002)

Dominion: Prequel to the Exorcist (2005)

Win Wenders

2005-11-12T06:29:00.000-08:00

"El ángel que es eterno, que existe antes de la historia, que es puro espíritu - está intrigado por este mundo - humano, finito, histórico, que es pura materialidad. Ese ángel desea lo mundano, lo urbano, lo terrenal, lo fugaz, lo cotidiano; desea los olores, los colores, los dolores, los placeres de este mundo. Recorre los rostros, los lugares; entonces busca un rincón donde asirse, donde caer. Una mujer ilumina su búsqueda, vestida también de ángel, pero es sólo un disfraz."

El Cielo Sobre Berlin

Por Angelina Uzín Olleros

Filmografia

Schauplätze (1967)
Victor I (1968)
Klappenfilm (1968)
Same Player Shoots Again(1968)
Silver City (1969)
Alabama: 2000 Light Years From Home (1969)
Summer in the City (1970)
The Goalie's Anxiety at the Penalty Kick (1972)
La Letra escarlata (1973)
Alice in the Cities (1974)
False Movement (1975)
Kings of the Road (1976)
The American Friend (1977)
Nick's Film - Lightning Over Water (1980)
Hammett (1982)
The State of Things (1982)
Docu Drama (1984)
Paris, Texas (1984)
Tokyo-Ga (1985)
Wings of Desire (1987)
A Notebook on Clothes and Cities (1989)
Until the End of the World (1991)
Arisha, the Bear and the Stone Ring (1992)
Faraway, So Close! (1993)
Lisbon Story (1994)
Beyond the Clouds (1995)
Brothers Skladanowsky (1995)
Lumiere y compañía (1996)
The End of Violence (1997)
Willie Nelson at the Teatro (1998)
Buena Vista Social Club (1999)
The Million Dollar Hotel (2000)
Ode to Cologne: A Rock 'N' Roll Film (2002)
The Soul of a Man (2003)
Land of Plenty (2004)
Don't Come Knocking (2005)

http://www.antroposmoderno.com/antro-articulo.php?id_articulo=163

http://www.pantalla.info/persona/21/21854.html

Peter Greenaway

2005-10-30T08:10:00.000-08:00

“Comencé a filmar como estudiante de arte que aspiraba a ser pintor de murales con la cámara. Tenía ambiciones de hacer cada imagen fílmica autosuficiente en tanto que pintura. Quería hacer filmes que no fueran ilustración de algún texto preexistente (ya fuera novela, teatro, poema o guión), ni vehículo para el lucimiento de los actores, ni esclavos de una trama, ni excusa para convocar catarsis emocionales —ni mías ni ajenas; el cine no es terapia, el cine y la vida merecen más que eso. Quería ver si era capaz de hacer filmes que reconocieran artificios e ilusiones y demostrar que, aunque fascinantes, eran eso: artificio e ilusión. Quería hacer cine de ideas, no de tramas, y tratar de usar la misma estética que en la pintura; es decir, prestar atención a la estructura formal, a la composición y al encuadre, e insistir en la metáfora visual. Quise explorar diferencias y conexiones entre cine y pintura, y llevar esta exploración al montaje, al ritmo, a los diversos intervalos de tiempo, a las repeticiones y variaciones sobre un tema. Al principio era mi camarógrafo y editor. Tanto mi ambición como mi carencia de recursos me hicieron capaz de la ironía y del desastre”.

http://www.miradas.eictv.co.cu/index.php?option=com_content&task=view&id=218&Itemid=75&lang=es

Kung Fu Hustle

2005-10-20T14:27:00.000-07:00

Ambientada en el caos de la China pre-revolucionaria, un ladrón de poca monta, Sing, aspira a ser uno de los crueles y sofisticados miembros de la Banda del Hacha cuyas actividades ilegales ensombrecen la ciudad. Sing intenta extorsionar a uno de los habitantes de un complejo de apartamentos llamado "Pig Sty Alley", pero los vecinos no son lo que parecen. Sin pretenderlo, los cómicos intentos de intimidación de Sing atraen a la Banda del Hacha, desencadenando una serie de sucesos que enfrentan cara a cara los dos mundos tan diferentes. Mientras los habitantes de Pig Sty luchan por sus vidas, el choque de titanes de kung fu que sigue desentierra algunos maestros legendarios de artes marciales. A pesar de sus inutiles intentos, Sing carece del alma de un asesino y debe enfrentarse a su propia moralidad para descubrir la verdadera naturaleza del maestro de kung fu.

Hayao Miyazaki

2005-10-06T14:52:00.000-07:00

Hayao Miyazaki nació en Tokio el 5 de enero de 1941. Empezó su carrera como animador en 1963 en el estudio Toei Douga, y estuvo involucrado subsecuentemente en muchos de los primeros clásicos de la animación japonesa. Desde el comienzo, dirigió la atención de todos con su increible habilidad para dibujar, y la aparente interminable cadena de ideas que propuso para películas.

En 1971, se trasladó a A Pro con Isao Takahata, y luego a Nippon Animation en 1973, donde estuvo fuertemente comprometido en la serie animada de TV: Teatro de Obras Maestras Mundiales por los siguientes cinco años. En 1978, dirigió su primera serie de TV, Conan, El Niño del Futuro, para luego cambiarse a Tokyo Movie Shinsha en 1979 para dirigir su primera película, el clásico Lupin III: El Castillo de Cagliostro.

En 1984, estrenó Nausicaä del Valle del Viento, basado en el manga (comic) del mismo título que había empezado dos años antes. El éxito de la película condujo al establecimiento de un nuevo estudio de animación, Studio Ghibli, desde el cual Miyazaki ha dirigido, escrito y producido muchas otras películas con Takahata. Todas estás películas disfrutaron del éxito en las críticas y la taquilla. En lo particular, por Princesa Mononoke, Miyazaki recibió el Premio de la Academia del Japón como Mejor Película y fue la película doméstica de mayor recaudación (cerca de US$150 millones) en la historia del Japón.

Adicional a la animación, Miyazaki también dibuja manga. Su mayor trabajo fue el manga de Nausicaä, una historia épica en la que trabajó intermitentemente desde 1982 hasta 1994, pues estaba muy ocupado haciendo películas animadas. Otro manga, Hikoutei Jidai, evolucionó después en su película de 1992 Porco Rosso.

David Lynch

2005-09-30T13:35:00.000-07:00

Considerado autor de culto para muchos amantes del séptimo arte, David Lynch cursa estudios de Bellas Artes en varias escuelas de prestigio. Pronto descubre la que será su gran pasión: el cine.

Tras realizar varios cortos y films experimentales, Lynch rueda en 1977 su primer largometraje, Cabeza borradora, en el que trabaja durante cinco años. El film es tan extravagante que pocos le auguran una buena acogida, pero gracias a un distribuidor que confía en el proyecto llega a convertirse en película de culto.

Eso permite a Lynch afrontar su primera producción para el gran público, El hombre elefante. La cinta es todo un éxito y obtiene varias nominaciones al Oscar, entre ellas al mejor director y a la mejor película.

A ese proyecto le siguen trabajos tan personales y aclamados como Terciopelo azul (que supone su segunda nominación al Oscar como mejor director) y Corazón salvaje (Palma de Oro en el Festival de Cannes). Sin embargo, Lynch se da a conocer a gran escala con una singular serie de televisión, Twin Peaks, que llega a ser un fenómeno de masas a principios de los 90.

Su filmografía está caracterizada por una estética surrealista y su obsesión por explorar el lado oscuro de la experiencia humana. En ella destacan también títulos como Carretera perdida, Una historia verdadera y Mulholland Drive, con la que es nominado al Oscar como mejor director por tercera vez.

http://www.portalmix.com/cine/bios/dlynch.shtml

Ennio Morricone

2005-09-22T14:43:00.000-07:00

Nació en Roma (Italia), el 10 de noviembre de 1928. De niño estudió trompeta y luego amplió su formación musical. A principios de los 50 empezó a trabajar en la radio y en arreglos de músicas de películas de otros compositores, hasta que en los 60 se le asignaron sus propios filmes. Su carrera fue en imparable ascenso desde que conoció a Sergio Leone, juntos hicieron diversos westerns que tuvieron enorme repercusión mundial, que melódicamente rompieron con la tradición musical norteamericana de imponer los criterios territoriales a las bandas sonoras. Morricone, por el contrario, aportó un nuevo concepto: el de la temporalidad, que se sustentaba en la necesidad de que la música sirviera para retrotraer a los espectadores a las épocas más agrestes de la Humanidad, para así dotar a las películas de Leone del sentido bíblico buscado. Lo consiguió mediante la incorporación de instrumentos rudimentarios, gritos, golpes de yunque, silbidos, etc. Este revolucionario avance no fue del todo comprendido en su momento y Morricone tuvo que soportar duras críticas, a la vez que veía cómo sus bandas sonoras se vendían a miles. Pero no le importó: directores como Bernardo Bertolucci, Gillo Pontecorvo, Pier Paolo Pasolini, Mauro Bolognini, Giuliano Montaldo, Elio Petri o Liliana Cavani, entre otros muchos, contaron siempre con él y aceptaron incorporar en sus películas el particular lenguaje musical del creador. También ha trabajado en filmes extranjeros, sabiendo compatibilizar la calidad con el gran éxito comercial de su trabajo, lo que ha fomentado lo que es ya una leyenda en la composición cinematográfica.

http://www.mundobso.com/fichacompo.asp?codigo=c20

Emir Kusturica

2005-09-15T13:51:00.000-07:00

Director de cine bosnio, nacido en Sarajevo (Bosnia-Herzegovina, antigua Yugoslavia). Estudió en la escuela de cine de Praga, la FAMU, y allí rodó la película Guernica, por la que en 1978 recibió su primer premio en el Festival de Cine de Karlovy Vary. En 1979 regresó a Yugoslavia y trabajó para la televisión de Sarajevo. Después de realizar varios telefilmes, dirigió su primera película, ¿Te acuerdas de Dolly Bell? (1981), que obtuvo el León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia. Obtuvo gran éxito con la sátira Papá está en viaje de negocios (1984), que refleja la era del estalinismo en la Yugoslavia de la década de 1950 a través de la mirada de un joven de 16 años. Por este trabajo estuvo nominado al Oscar en la categoría de mejor película de habla no inglesa y fue premiado con la Palma de Oro en el Festival de Cannes. El tiempo de los gitanos (1989) cuenta la historia de un joven gitano rumano que abandona su patria serbia y se incorpora a una banda de ladrones en Italia. Por esta película obtuvo en Cannes el premio a la mejor dirección. A comienzos de la década de 1990 se marchó a EEUU, donde rodó y produjo la película Arizona Dream (1992). Esta tragicomedia, que cuenta la historia de un joven que se enamora de una viuda madura y de su hijastra, seduce, entre otras cosas, por las magníficas interpretaciones de los actores y por sus imágenes llenas de fuerza. Debido a los elementos surrealistas y fantásticos, y a la mezcla de realidad y ficción, el estilo de Kusturica sería calificado como realismo mágico, en referencia a la corriente literaria latinoamericana. En Underground (1995), una epopeya de tres horas de duración, se enfrenta con mirada crítica al pasado serbio, desde la II Guerra Mundial hasta la guerra civil, en la antigua Yugoslavia. Debido a la clara posición política de Kusturica en el filme, se creó muchos enemigos en su país. La película fue premiada con la Palma de Oro en Cannes. Desde entonces Emir Kusturica vive en Francia, donde, en 1997, rodó Gato negro, gato blanco. En 2000 debutó como actor en la película del realizador francés Patrice Leconte La viuda de Saint-Pierre.

http://www.epdlp.com/director.php?id=822
http://www.emirkusturica-nosmoking.com/eng/index.html

Santa Sangre

2005-09-08T13:03:00.000-07:00

Santa Sangre le valió a el Jodo la calificación de "hombre de erudición pasional" por el New York Times y el Newsweek dijo de él " su visión surrealista no puede ser copiada. Es único". Es "el drama que está pasando en todos nuestros pueblos. La pérdida de identidad". La historia de un joven circense que después de ver a su padre, el lanzacuchillos cortarle las piernas y los brazos a su devota madre y luego suicidarse cortándose el cuello, que es destinado a un manicomio y que luego se escapa, tuvo, sin embargo, también algunas malas críticas. Pero ha sido hasta hoy la película de Jodorowsky más conocida por espectadores de todo el mundo, presente hasta hoy en ciclos de cine de diversos países.

http://www.escaner.cl/escaner12/cine.htm
http://www.clubcultura.com/clubliteratura/clubescritores/jodorowsky/

David Cronenberg

2005-09-03T06:36:00.000-07:00

David Cronenberg es el profeta de la "nueva carne". Su obsesión absoluta es la mutación, la conversión, la mezcla física entre el hombre y lo que le rodea. Es curioso e interesante observar el trabajo de un director reconocido en el abrupto mundo de los bajos presupuestos, de las obras de culto y del cine del terror, grotesco y gore de los últimos 25 años.

Filmografía:

2005 A History of Violence Director
2002 Spider
2000 Camera
1999 eXistenZ
1996 Crash
1993 M. Butterfly
1991 Naked Lunch
1988 Dead Ringers
1986 The Fly
1983 The Dead Zone
1982 Videodrome
1981 Scanners
1979 The Brood
1978 Fast Company
1977 Rabid
1975 Shivers
1974 The Victim
1969 Crimes of the Future
1969 Stereo
1967 From the Drain
1966 Transfer

http://www.tumbaabierta.com/cripta/cronemberg1.htm

La edad de oro

2005-08-27T10:51:00.000-07:00

"Después de Un perro andaluz, imposible pensar en realizar una de esas películas que ya se llamaban «comerciales». Yo quería seguir siendo surrealista a toda costa." Con esta idea, Buñuel inició los preparativos de la que sería su segunda película, sin imaginar que en poco tiempo estaría enmedio de uno de los escándalos más memorables de la historia moderna de París.

"La edad de oro" fue financiada por el vizconde de Noailles, un sofisticado mecenas que había patrocinado varios proyectos artísticos de vanguardia. Buñuel decidió escribir el guión de la misma manera que el de "Un perro andaluz" y viajó a Figueras para verse con Dalí.

Muy a su pesar, Buñuel se dio cuenta de que el encanto de su amistad con el pintor catalán se había perdido por completo. A los tres días, fastidiado por los desacuerdos y por la intervención de Gala, la mujer de Dalí, Buñuel decidió poner punto final a la colaboración. Varios años después esta ruptura, amigable en apariencia, tendría efectos devastadores en la relación entre los dos genios.

Buñuel terminó de escribir el guión en la finca de verano de los vizcondes de Noailles. "Me dejaban tranquilo durante todo el día. Por la noche, yo les leía las páginas que había escrito. No pusieron ni una sola objeción. Todo -casi no exagero-, todo les parecía «exquisito, delicioso»."

El rodaje de interiores se llevó a cabo en los mismos estudios donde se filmó "Un perro andaluz" y los exteriores en Cap de Creus, cerca de Barcelona. Como el filme se planeó sonoro, Buñuel contó con los servicios de un técnico alemán -de nombre hoy olvidado- quien se encargó de sincronizar la banda sonora manualmente.La ausencia de sonido directo contribuyó a crear una serie de audacias formales en la relación entre la imagen y el sonido de la película que aún hoy resultan innovadoras. "La edad de oro" fue una de las primeras películas sonoras filmadas en Francia y la primera en explorar conscientemente el impacto de la voz en off.

Pero más que sus audacias formales, sería su irreverencia temática la que provocaría el escándalo de "La edad de oro". El segundo filme de Buñuel proponía un tipo de experiencia estética que hasta entonces no se había dado en el cine: la impugnación de los valores y principios de la civilización occidental y la propuesta a una revuelta en contra de lo establecido por la sociedad.

"Hoy nadie se escandaliza", le dijo melancólicamente André Breton, poco antes de morir, a Luis Buñuel. Desde el estreno de "La edad de oro" la sociedad ha encontrado maneras de anular el potencial provocador de una obra de arte adoptando ante ella una actitud de placer consumista. Sin embargo, lo que permanece de "La edad de oro" no es su valor de provocación, por intenso que haya sido en su época, sino su capacidad para ofrecernos una visión crítica de una sociedad en crisis. Más que un llamado a la revuelta, "La edad de oro" se ha convertido en un retrato, ácido y poético, de la sociedad del siglo XX.

Maximiliano Maza

http://cinema16.mty.itesm.mx/folder_bunuel/resenas_bunuel/02edad.htm
http://www.luisbunuel.org/

Hable con ella

2005-08-21T10:37:00.000-07:00

"Hable con ella" es una historia sobre la amistad de dos hombres, sobre la soledad, y la larga convalecencia de las heridas provocadas por la pasión. Es también una película sobre la incomunicación de las parejas, y sobre la comunicación. Sobre el cine como tema de conversación. Sobre cómo los monólogos ante una persona silente pueden ser una forma eficaz de diálogo. Del silencio como "elocuencia del cuerpo", del cine como vehículo ideal en las relaciones de las personas, de cómo el cine contado en palabras detiene el tiempo y se instala en las vidas de quien lo cuenta y del que lo escucha."Hable con ella" es una película sobre la alegría de narrar y sobre la palabra como arma para huir de la soledad, la enfermedad, la muerte y la locura. También es una película sobre la locura, ese tipo de locura tan cercana a la ternura y al sentido común que no se diferencia de la normalidad.

http://clubcultura.com/clubcine/clubcineastas/almodovar/

Federico Fellini

2005-08-16T13:23:00.000-07:00

"Even if I set out to make a film about a fillet of sole, it would be about me." Federico Fellini (1920-1993)

Filmografia

1951. LUCI DI VARIETÀ (Luces de variedades) Co-director: Alberto Lattuada
1952. LO SCEICCO BIANCO (El jeque blanco)
1953. IL VITELLONI (Los inútiles)
1953. AMORE IN CITTÀ Episodio "Agenzia matrimoniale"
1954. LA STRADA
1955. IL BIDONE (Almas sin conciencia)
1957. LE NOTTI DE CABIRIA (Las noches de Cabiria)
1960 LA DOLCE VITA (La dolce vita)
1962. BOCCACCIO '70. Episodio LE TENTAZIONI DEL DOTTOR ANTONIO
1963. 8 ½ (Ocho y medio)
1965. GIULETTA DEGLI SPIRITI (Giulietta de los espíritus)
1968. HISTORIES EXTRAORDINARIES. Episodio Tobby Dammit (Historias extraordinarias: Tobby Dammit)
1969. FELLINI-SATYRICON (Satyricon)
1971. I CLOWNS (Los clowns) [Película para televisión]
1972. ROMA (Roma)
1973. AMARCORD (Amarcord)
1976. IL CASANOVA DI FEDERICO FELLINI (Casanova)
1979. PROVA D'ORCHESTRA (Ensayo de orquesta)
1980. LA CITTÁ DELLA DONNE (La ciudad de las mujeres)
1983. E LA NAVE VA (Y la nave va)
1986. GINGER E FRED (Ginger y Fred)
1987. INTERVISTA (Entrevista)
1989. LA VOCE DELLA LUNA

http://www.miradas.net/estudios/2004/01_ffellini/filmografia.html
http://www.epdlp.com/director.php?id=770

Jean-Pierre Jeunet

2005-08-12T13:05:00.000-07:00

"A normal girl would risk calling him straight away. She would give him a rendez-vous at a café to give him his album back and in a few minutes, she would know if it is worth going on dreaming or not. This is called facing reality. And that is exactly the last thing Amelie wants!" Amelie 2001

Filmografia

A Very Long Engagement 2004

Amelie 2001

Alien Resurrection 1997

Ciudad de los niños perdidos 1995

Delicatessen 1991

Los hermano Marx

2005-08-04T13:45:00.000-07:00

"Inimitables, geniales, surrealistas, iconoclastas, anarquicos, imprevisibles...son algunos adjetivos que pueden ser utilizados para calificar las capacidades humoristicas del mejor equipo comico que ha proporcionado el cine sonoro, los hermanos Marx"

Julis Henry (Groucho) 1890–1977
Leonard (Chico) 1891–1961
Adolph (Harpo) 1893–1961
Herbert (Zeppo) 1901–1979
Milton (Gummo) 1904–1977

Filmografia

Humor Risk (1921)
The Cocoanuts (1929)
Animal Crackers (1930)
Monkey Business (1931)
Horse Feathers (1932)
Duck Soup (1933)
A Night at the Opera (1935)
A Day at the Races (1937)
Room Service (1938)
At the Circus (1939)
Go West (1940)
The Big Store (1941)
A Night in Casablanca (1946)
Love Happy (1949)

http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article131.html?topic=6

Akira Kurosawa

2005-08-02T13:37:00.000-07:00

FILMOGRAFIA

1943 - Sugata sanshiro (La leyenda del judo)
1944 - Ichiban utsukushiku (El mas bello)
1945 - Zocu sugata sanshiro (La leyenda del judo II)
1946 - Asu o tsuru hitobito (Los que hacen el mañana)
1947 - Subarashiki nichiyobi (Un domingo maravilloso)
1948 - Yoidore tenshi (Angel ebrio)
1949 - Shizikanaru ketto (Un duelo silencioso)
1949 - Nora inu (Perro perdido)
1950 - Shunbun (Escándalo)
1950 - Rashomon
1951 - Hacuchi (El idiota)
1952 - Ikiru (Vivir)
1954 - Shichinin no samurai (Los siete samurai)
1955 - Ikimono no kiroku (Memorias de un ser vivo)
1957 - Komonosu-jo (Trono de sangre)
1958 - Kakushi toride no san-akunin (La fortaleza escondida)
1960 - Warui yatsu hodo yoku nemuru (Los malos duermen bien)
1961 - Yoyimbo (El guardaespaldas)
1962 - Tsubaki sanguro (Sanjuro)
1963 - Tengoku to Jigoku (El infierno del odio)
1965 - Akahige (Barbaroja)
1970 - Dodes´ka-den
1975 - Dersu uzala (El cazador)
1980 - Kagemusha (La sombra del guerrero)
1985 - Ran
1990 - Yume (Los sueños de Akira Kurosawa)
1991 - Hachigatsu no kyoshikyoku (Rapsodia en agosto)
1993 - Madadayo

Andrei Tarkovski

2005-07-30T07:44:00.000-07:00

"Pelissier y Celal se formulaban la pregunta del millón: pero Tarkovski ¿es verdaderamente un cineasta? Andrei sin duda había reventado con Sacrificio todos los registros convencionales del arte cinematográfico."

Filmografia

El violín y la apisonadora (1960)
La infancia de Iván (1961)
Andrei Rublev (1966)
Solaris (1972)
El espejo (1974)
Stalker (1979)
Tempo di viaggio (1983), documental
Nostalghia (1983)
Sacrificio (1986)

Terry Gilliam

2005-07-29T11:57:00.000-07:00

Sam Lowry: I only know you got the wrong man.

Jack Lint: Information Transit got the wrong man. I got the *right* man. The wrong one was delivered to me as the right man, I accepted him on good faith as the right man. Was I wrong? Brazil 1985

Filmografia

Tideland 2005
The Brothers Grimm 2005
Fear and Loathing in Las Vegas 1998
Monty Python & the Quest for the Holy Grail 1996
Twelve Monkeys 1995
The Fisher King 1991
The Adventures of Baron Munchausen 1988
Brazil 1985
The Crimson Permanent Assurance 1983
The Meaning of Life 1983
Time Bandits 1981
Jabberwocky 1977
Monty Python and the Holy Grail 1975
The Miracle of Flight 1974
Story Time 1968

http://www.pythonline.com/plugs/gilliam/index.shtml

http://www.smart.co.uk/dreams/

http://www.trond.com/brazil/

Irreversible

2005-07-28T14:10:00.000-07:00

Guión y Dirección: Gaspar Noé. Actores: Vincent Cassel, Albert Dupontel, Monica Bellucci, Jo Prestia. 2002

"Quiere provocarnos, despertarnos del sueño que nos producen las películas de moda, remover nuestra insensibilidad ante la violencia de todos los días. Quiere que pensemos seriamente, mientras la cámara da vueltas meditadas y la oscuridad se desvanece de escena en escena, en la posibilidad de salir indignados del teatro. Ocurre en el París de la noche, en los mundos laterales de cualquier ciudad, sin héroes a la vista ni soluciones a la mano. Es una tragedia al revés. Cuenta, desde el final hasta el comienzo, la terrible jornada de dos hombres, Marcus y Pierre, empeñados en vengar la brutal violación de la mujer de la que están enamorados. Corre el riesgo de ser uno de esos relatos que –puesto que son la puesta en escena de alguna importante teoría sobre el mundo- se comprenden mucho mejor durante una segunda lectura, pero que no consiguen imágenes o personajes o diálogos que la justifiquen.

Irreversible pasará a la historia del cine, sin lugar a dudas, por la escena de la violación despiadada en un pasadizo de la calle: esos ocho minutos, imposibles de ver sin acomodarse en el asiento un par de veces, son una prueba del compromiso de la actriz Monica Bellucci con los peligros de su profesión y el mejor ejemplo de los efectos que persigue su realizador, el francés Gaspar Noé, desde el principio del relato. Estamos, en suma, ante un largometraje que nos recuerda que, aunque lo intentemos, nunca podremos evadir los horrores de la realidad. Se trata de una obra valiente que no se disfruta en ningún momento, pero que es, a la larga, otra oportunidad para formar nuestro criterio."

http://www.ricardosilvaromero.com/

2005-07-26T14:17:00.000-07:00